Des marionnettes…

Dans la petite salle du TGP, les spectateurs s’installent sur des bancs face à un castelet… Comme pour assister à un spectacle de Guignol... L’apparition de La Poncia ne dément nullement cette première impression : tel une marionnette au corps contraint dont les mains s’agitent au bout de bras serrés contre un buste figé, Matteo Zimmermann, excellent dans le rôle de la vieille servante, donne parfaitement le change.
Les cloches sonnent, c’est la fin de la cérémonie funèbre ; Bernarda et ses filles sont déjà sur le chemin du retour à la maison. Et voilà qu’apparaissent, derrière les voiles blancs qui séparent l’intérieur de l’extérieur, défilant en ombres chinoises, des personnages grotesques, aux doigts allongés et nez crochus, dansant une sarabande bouffonne aux sons d’une musique tonitruante.
Des éclats de rires accueillent ce lever de rideau et l’autre soir, un spectateur, sans doute surpris que le drame de Federico Garcia Lorca suscite une telle hilarité, répétait à son jeune voisin : « on rit jaune ! ».
On connaît en effet la trame de la pièce qu’écrivit le poète espagnol en 1936. Devenue veuve, Bernarda, femme orgueilleuse, autoritaire et taciturne, a juré au ciel que le deuil serait, selon la tradition, de huit années. Contraintes d’obéir, ses filles vivront désormais sous sa férule, dans un à huis clos étouffant et hors d’état de se soustraire à l’observance de la règle sauvage qu’elle leur impose. Voilà, la maison de Bernarda Alba : cinq filles, célibataires dont l’aînée est âgée de 39 ans, rêvant de mariage et vêtues de noir, visages méfiants et sournois, qui s’épient du coin de l’oeil et ne relâchent jamais rien de leur jalousie réciproque.


Des femmes…

La mise en scène d’Andrea Novicov est on ne peut plus réjouissante. Lorsque La Poncia entre tenant entre les mains son rouleau à pâtisserie, on n’est pas loin de sentir, qu’à l’instar de Guignol, elle pourrait bien se mettre à frapper celle qui incarne la répression…
Pas un seul instant pourtant, nous ne perdons de vue l’essentiel : ce texte est la dénonciation sévère d’une société espagnole traditionaliste qui enferme les femmes. Derrière l’hystérie de ces petits personnages grotesques se devinent des femmes dont les corps pourraient s’épanouir et s’ouvrir si le désir n’était à ce point refoulé et les rêves si totalement brisés.
Grâce aux lumières de Danielle Milovic et à la scénographie de Christophe Kiss, Andrea Novicov et sa collaboratrice artistique Sandra Amodio inventent des images dont la sensibilité et la poésie enchantent.
Le personnage de Maria Josefa qu’incarne Valérie Liengme, vielle folle qui parvient en quelques occasions à s’échapper de la chambre dans laquelle sa fille, Bernarda la tient enfermée, acquiert une beauté emblématique dans les jeux d’ombres et de voiles qui, si justement la dévoilent. Des bras qui s’ouvrent et deviennent cuisses, une voix qui hurle au désespoir, Maria Josefa devient le spectre d’un désir d’autant plus éclatant qu’il est étouffé. Les folles sont bien celles que la répression rend folles…


L’Espagne…

Adela, jouée par Léa Pohlhammer est la plus jeune des filles de Bernarda, la plus libre aussi… C’est elle qui, à travers son amour pour Pepe El Romano, refuse de se soumettre. Fiancé d’Angustias, l’homme qui, chaque soir vient au portail rencontrer sa promise, est l’objet des fantasmes de toutes ces femmes en mal d’amour. Mais seule, la plus jeune, osera braver l’interdit au risque de devoir affronter une répression plus implacable encore que celle que lui fait subir sa mère et dont un exemple lui est donné à travers l’histoire d’une fille du village. Pour cacher sa honte, la fille de la Librada, a tué son enfant illégitime et l’a jeté sous des pierres. Des chiens l’ont trouvé et l’ont déposé sur le seuil de sa porte. Dans une espèce de folie furieuse, les villageois la traînent dans les rues avant de la tuer.
Abandonnant soudain son corps entravé de marionnette, Adela, s’élevant contre l’injustice et la cruauté de ceux qui l’entourent, se dresse en fond de scène et hurle un non qui l’engage définitivement sur le chemin qu’elle s’est choisi, celui de la rébellion. L’image est belle et touchante. Et l’on se souvient qu’à l’heure où Lorca écrit ces lignes, c’est l’Espagne qu’on assassine. Le poète, alors âgé de trente-huit ans, sera d’ailleurs fusillé par les franquistes quelques mois après avoir mis un point final à cette dernière pièce.

Christine LE BOT
Photo DR

Pascal Rambert sous le signe du 2

Arrivant au T2G par un dimanche après-midi d’automne (gris et pluvieux, comme il se doit !), on est d’abord séduit par le rouge lumineux qui nous accueille et met en valeur le sol de planches claires du grand hall d’accueil. Des planches, du rouge, de l’espace, c’est brut, c’est beau, ça va bien pour un théâtre… On se dit qu’on a bien fait de venir !
Pour assister à L’art du théâtre, première des deux créations que propose le nouveau directeur du T2G, nous nous installons dans une salle perchée au sommet du bâtiment. Les murs, bruts, ont été recouverts d’une couche de blanc vif et lumineux. Deux fenêtres en forme de hublots donnent sur les HLM d’en face. Les bruits de la rue nous parviennent, à peine assourdis. L’extérieur est présent : c’est une ville de banlieue.
A cet égard, Pascal Rambert, depuis son arrivée à Gennevilliers en septembre, axe sa communication sur sa volonté d’ancrage dans un territoire qui lui est, de toute évidence si exotique qu’il n’a de cesse de s’en émerveiller : photos de gennevillois, rencontres avec des gennevillois… Il a d’ailleurs fait se rencontrer Buren (oui, Daniel, l’artiste) et des lycéens en plasturgie (gennevillois) pour qu’ensemble, ils créent un parcours fléché. Il appuie sa démarche par des slogans du genre : « Avec les flèches de Buren, on ne peut plus se perdre. » Pascal Rambert semble penser qu’avant lui, le théâtre et la ville constituaient deux entités étrangères l’une à l’autre, irréconciliables… Il invente le 2 pour les faire se rencontrer…
Voilà à quoi l’on pense en regardant le plateau nu, la chaise ordinaire posée devant nous et la couverture grise pliée en quatre sur le sol.
Par une porte située en contrebas, un vieil homme entre, monte les quelques marches et se dirige vers la chaise. Il tire sur une laisse. Un chien le suit. « C’est un chien vivant, un vrai chien, un vrai cocker ! » précise Pascal Rambert dans l’interview qu’il donne à propos de cette création. Un vrai chien sur scène... Quelle audace !! Dans le second spectacle, c’est un mouton qui passera de bras en bras en émettant quelques bêlements. C’est un vrai mouton !
L’homme parle au chien. La voix un peu traînante est teintée du léger accent de Lou Castel. C’est une voix qui nous porte, nous touche et nous émeut.
On imagine bien l’homme −allure ordinaire et vêtements ordinaires− dans la cuisine ordinaire d’un HLM de banlieue. En vérité, cet homme-là est un vieil acteur, fatigué, désabusé. Passées les premières minutes d’émotion, on n’entend plus qu’une litanie qui pourrait être sans fin. On se détache, on s’ennuie presque, on s’échappe par les hublots, on écoute les bruits de la ville…
Lou Castel est bon, sur ce texte qui l’est moins. Il parvient à nous arracher un sourire de temps en temps. On se dit que finalement, on a quand même quelque chose à faire là !!
« Je voulais faire parler un acteur sur sa vie d’acteur. Et surtout, je voulais le faire de façon un peu provoca…, provocante, provocatrice » confie l’auteur.
Et si l’art du théâtre consistait à provoquer une vraie rencontre ? Authentique. Sincère.
Au T2G, il y a maintenant des « médiateurs » (démarche appuyée par le slogan : « Au théâtre2gennevilliers, il y a des ponts entre vous et ce qui se passe sur la scène. ») Ainsi, ce que le metteur en scène ne parvient pas à réaliser, cette rencontre entre la scène et le public, cette magie de l’art, incombe à ces jeunes gens. Heureusement, « ils sont de Gennevilliers » !

Toute la vie, c’est toute la vie de Ah (oui, le héros s’appelle « Ah ») : Ah naît, Ah grandit, Ah découvre l’amour, l’art, Ah devient artiste, Ah voyage, Ah fait l’amour, etc., etc.
L’originalité de cette histoire pourrait tenir au fait qu’elle se veut œuvre d’anticipation (Ah naît en 2010 et meurt en 2085) mais curieusement, c’est aux années 1970 que l’on pense tant l’esthétique, les choix de mise en scène et d’écriture collent à ces années-là. Conditionnés que l’on est par le « petit Dogma » que constitue L’Art du théâtre, on continue de s’interroger : cet art-là, celui de Pascal Rambert, consisterait-il à répéter sans jamais rien (ré)inventer ? Répétition, ressassement… On repense au spectacle précédent et au vieil acteur fatigué, ressassant sa rancœur.
Pour Ah, la grande scène du théâtre est transformée en boîte blanche, de ce blanc auquel le metteur en scène semble attaché : « le théâtre s’écrit sur la page blanche de la scène ».
Ça commence par la naissance de Ah. La future maman est enceinte (c’est une vraie femme et elle est enceinte pour de vrai !). L’accouchement, filmé « en direct » est retransmis sur les écrans de télévision des côtés.
La boîte blanche devenue salle d’opération pour un accouchement télévisé, restera lieu d’expérimentation. Pour le théâtre. Et la « féerie » promise par Pascal Rambert s’apparente à une tentative de nous éblouir par une accumulation de moyens techniques et d’effets en tous sens. Sur scène : 21 comédiens pour jouer le rôle de Ah, un quatuor à cordes, une caméra, des micros, des écrans… Beaucoup de monde, beaucoup de technique, beaucoup de mouvements…
Pour sa mise en scène de Toute la vie, Pascal Rambert a recours à un autre type d’accumulation : il sous-titre, surligne, appuie. Ainsi, Michael Bennet chante de sa belle voix de ténor et le texte est traduit sur les écrans des côtés ; un des 21 comédiens prend le rôle de Ah ; il ôte son T-shirt noir pour ne garder que le blanc sur lequel est inscrit « Ah » ; Ah fait l’amour et un commentateur explique que « la sexualité est une voie d’accès à la connaissance ». (On pourrait dire en passant que la sexualité pourrait (surtout) se faire sensualité si l’on n’avait pas commencé par affubler les comédiens de maillots de bains style décathlon dont on se demande ce qu’ils font là !)
Cette « féerie » sans âme laisse le spectateur perplexe. Pourquoi tout cela ? Ces effets sans émotion lui laissent l’impression désagréable d’être prisonnier. Oui ! On lui dénie sa capacité à sentir, à percevoir, à imaginer, à rêver, à penser… à créer. On se fait démiurge, comme pour lui montrer tout ce que l’on sait faire, tout ce que l’on pense avoir à dire… Toute la vie et tout le théâtre, quoi !
Tout cela ne serait pas bien grave si nous étions ailleurs. Mais en quittant le théâtre de Gennevilliers, on a envie de dire à Pascal Rambert, qu’à l’heure où flambent les banlieues, il n’est pas honnête d’utiliser les gennevillois (et le théâtre subventionné) pour faire œuvre de démagogie.

Cet Orgueil qu'est Le Cid par Alain Ollivier

Monter le Cid aujourd'hui. C'est un triple hommage. Hommage à Corneille. Hommage à la pièce fétiche de Gérard Philipe. Hommage au Théâtre tout simplement...
Alain Ollivier fait tonner les trois coups du Théâtre comme miroir de notre société.


Pour sa dernière saison en tant que directeur du Théâtre Gérard Philipe de Saint-Denis, Alain Ollivier a choisi de nous proposer une lecture du Cid, qui rend hommage à l'art d'être comédien. De défendre un des textes les plus connus du répertoire français. Et c'est en famille, en groupe scolaire, que l'on vient applaudir le Théâtre à la Française et que chacun se met à fredonner les classiques de Pierre Corneille.

Le texte servi par la sobriété

Sur un décor sobre et tout en horizontales, les comédiens, en costume d'Espagne du XVIème siècle, viennent confronter les générations. Philippe Girard compose le Comte, père de Chimène, tout en assurance un rien hautaine jusqu'à s'emporter face à Bruno Sermonne dans le rôle de Don Diègue, père de Rodrigue. Le gant est lâché sur une joue. Les jeux sont faits. L'honneur est bafoué. Bruno Sermonne se lance avec quelques sanglots : « ô rage, ô désespoir... et n'est-ce pas dans le fond, après son orgueil que pleure désormais cet homme d'âge mûr, devenu soudain grand enfant. Car il faut voir avec quel élan de poupon, Don Diègue viendra demander vengeance auprès de son fils Rodrigue, pourtant épris de Chimène. Thibaut Corrion est un Rodrigue plein de candeur et qui devra affronter son promis beau-père en duel.

Miroir et Métaphore

Et si Alain Ollivier venait surtout à dégager celà de la pièce de Corneille. Qu'est-ce que l'honneur. Qu'est-ce que l'orgueil au regard de la mort d'un homme. Il faut voir alors comment Philippe Girard délaisse sa superbe pour esquisser quelques secondes de doute, de faiblesse au moment de partir au duel. Lui, homme d'arme, au métier si sûr. Ne va t-il pas laisser vivre la jeunesse. Ne va t-il pas rester adulte et s'abandonner de cet orgueil que son rival n'a pas voulu céder ?

Les jeux sont faits. Et la suite sera surtout pour malmener une Chimène qui vient de perdre son père, qui vient de perdre foi en l'amour de son promis. Claire Sermonne est une Chimène éperdue. Et John Arnold, en roi de Castille, viendra jouer d'elle et de ses tourments, avec espièglerie. La fin de la pièce passe ainsi du tragique au comique à la faveur de ses revirements de situation, de ses changements d'humeur en quasi soubresauts.
Mais tout est bien qui finit bien. Les amoureux seront réunis; le public réconcilié avec le théâtre que d'aucuns laissent pour moribond...
...mais qui ne finit pas de divertir, d'enseigner. Le Cid nous offre ce miroir, dans une société où la place de l'honneur, de l'orgueil peut venir occuper les colonnes des faits divers, les bancs des assises. Alain Ollivier semble nous interroger : que vaut finalement l'honneur face à la mort d'un homme et des tourments qu'il entraîne.